利益区域

问题1:如何看好莱坞拍托尼厄德曼美版。

答：完全不知情。

问题2: 为什么要用热成像？

导演表示不想使用任何影视光源，整个电影制作的方法是把摄影机藏在屋内，导演和摄影指导在地下室看监录，让演员在屋内体验和表演。这也解答出为什么大部分镜头都是固定镜头。在夜晚想展示出全部的细节，所以考虑使用了热成像，而通过21世纪的镜头去回望那段历史也是片中想表达的内容。

发现1:片子的纳粹服装跟历史的不一样。

发现2:片中用三种纯色：白、红、黑去切割片段，正是纳粹标志的颜色。

发现3:导演不懂也不会考虑什么越轴规则。剪辑导演配乐三人一起完成后期剪辑工作。

在这片土地上，阳光下的阴影似乎总是格外深沉。《利益区域》无疑就是在这样的阴影中，用一种冷峻的笔触，描绘了人性最为黑暗的一面。电影并不是简单地展现那段历史的残酷，而是更深层次地，通过凶手的视角，让我们审视那个时代人类心灵的荒芜。

这不仅仅是一种“偷窥欲”的满足，更像是一面镜子，映照出观众内心深处的恐惧与不安。导演似乎并不急于向我们展示大屠杀的直接画面，而是更多地聚焦于那些制造恐怖的人物。在他们的身上，我们仿佛能看到人类怪物的形象，既是施加者，同时也是被折磨和压抑的存在。这样的主题挥之不去，让人在观影过程中不寒而栗，又深刻地反思。

影片的概念设计充满了煽动性，将“集中营”这一概念的全部含义，以一种几乎冷漠的讽刺方式展现出来。而当这一切落在一个家庭的身上时，剧情的推进为电影提供了重要的戏剧动力。在这里，每一个细节都仿佛在对邪恶进行凝视和判断。

“这是一部深刻揭露人性阴暗面的作品，它没有简单地用血与火去吸引观众的眼球，而是更多地探讨了那些看似普通却暗藏杀机的心灵。在这些看似平凡的人物身上，我们看到了自私、残忍、冷漠和对权力的渴望。这些，或许才是人类历史上种种悲剧的真正根源。”

而对于这部电影的创作手法，“导演利用观众的好奇心，巧妙地将镜头对准了那些隐藏在历史背后的凶手，他们的形象被一一展现，不仅仅是对过去的回顾，更是对现在的警示。在这个看似文明的社会里，那些人性的阴暗面依然存在，时刻威胁着我们的道德底线。”

观影地点：TIFF Lightbox （多伦多电影节展映厅）

最直观的感受就是：看了两个多小时的家庭监控。但我奇迹般地和在场的其他观众一样，稳如磐石地坐在座位上一起看了两个多小时的监控，也共同屏息凝神地感受着片头和片尾压抑的画外音。

最开始只是如坐针毡地感觉这个电影怎么没有剧情，而且德语听起来好凶，我的眼睛不断地在英文字幕和屏幕影像之间游离，直到字幕里出现了“希特勒万岁”和“集中营”，我才逐渐明白电影在讲什么。

二战后期强弩之末的纳粹正温吞地走向自己的末日，不过，纳粹军官的家庭的妻儿们还是岁月静好地照常过着日子。几个孩子们像普通家庭的孩子们一样享受着夏天公园里的水池和冬天的冰雪游戏，女主人像普通的女主人一样对仆人和丈夫颐指气使，孩子的祖母像普通家庭的祖母一样亲吻爱抚着孙儿们，家里那只四肢修长的大黑狗像普通的狗一样在家里跟随者主人们讨食讨欢……围墙外的风云变幻被阻隔并削弱在了围墙外，一天，军官的小儿子在家里百无聊赖地玩着玩具时，偶然依稀地听到了外面的屠杀声，也只是懵懂地拨开窗帘向外张望了一会，发现什么都看不到，就只好继续着自己顽童的游戏。

究竟军官们和他们的妻儿老小是局中人还是局外人？他们的生活就那样平凡又安逸地过着，只有推进的历史才能定夺他们接下来的命运，不过在推进到该到的地方之前，日子也就只能那样过着。

这不是一部商业片，更像是伪纪录片，剧情是隐晦的，镜头是直观而冷酷的，背景音乐是几乎没有的。结尾戛然而止，但后劲很大，引人深思。

大概是我看过最沉重，几乎每一分钟都难以忍受的电影，以至于我看完的第一反应是晕眩和恶心（which fits its subject matter) Jonathan Glazer选择了讲述暴行（真正之恶）的几个非常真实的侧面：一是平庸，是the banality of evil, 是放弃所有思考和质疑的彻底投降，二是compartmentalization，是区域化，原子化，signified by 全片反复出现的围墙，门，栅栏，（甚至是）单人床，是total apathy，彻头彻尾的冷漠，对周围环境的视而不见，三是disgust，对干净整洁的obssession，对messiness的难以忍受。以至于在所谓“区域”边界被侵犯的时候（河里游泳发现有焚烧尸体的残骸）只有恶心和恐惧。影片最后也以呕吐和清洁作为结束，男主从亮了灯的阶梯走下，消失在完全的黑暗里。

全片都用了那个sickly, muted 偏绿的色调，以至于即使是拍阳光下绿色草坪上纳粹军官家庭嬉戏玩耍的片段都是冰冷的，唯一一次例外是偷偷给集中营里人送苹果的小女孩弹奏钢琴的时候，才让人感受到什么是warm, radiant sunlight. 我看到一半的时候才意识到片子里甚至连一个人脸的近景都没有，连medium shot都少的可怜，Glazer用这种方式拒绝了观众与人物共情。当然还有值得一提的是配乐制作和后期，全程都可听见的不远也不尽的痛苦挣扎的声音，处决的枪声，的确达到了导演说的“你看见的电影和你听见的电影”这种强烈的discordance.

总体来说，this is a stunnning achievement. 即使它不是masterpiece itself，也为之后的greater film打下了坚实的基础。

非常好，极度unsettling。很理解奥提了Best Sound, 像是皮肤下的爆裂尖叫。

全片平和直叙，只讲了德国一个家庭一段时间的日常生活，丈夫工作调动，妻子不愿意，因为他们一家刚刚在此站住脚跟，于是丈夫独自去外地，努力工作，获得领导肯定升职，与家人重新团聚。房间里的大象是，丈夫是奥斯维辛集中营的指挥军官，妻子无法放弃的温馨家园就在集中营隔壁，而丈夫努力奋斗终于促成了链式焚烧炉的建成，重回奥斯维辛在艾希曼手下工作。日常的边角里，日日夜夜，犹太人的尖叫，焚烧炉的轰鸣，烟囱里的黑烟，都融进背景里，是轻巧的不便。

外人的目光来自探亲的妻子母亲，她是唯一一个主动问到墙那边的人。她午睡醒来被焚烟呛醒，游览花园时听到隔墙的尖叫，夜里红光映亮窗帘。她不无辜，但尚且无法与之相安无事，司空见惯，于是不告而别，匆忙逃离。同一天消失的还有一个帮佣女孩，妻子当时对母亲说，这只是本地的女孩。前一个晚上，丈夫在她身上解决了性欲，然后藏到地下室里仔细地擦洗了自己的裆部。下一个镜头，囚犯劳工把一车黑灰倒进花园里，耕进土地里。

全片几乎没有任何大幅的情感波动。只在最后，丈夫Höss在无人走廊里干呕，从历史深处短暂地投来一撇，奥斯维辛平静安详，博物馆清洁工完成今天的日常，擦洗过地面，焚烧炉，和橱窗，让人感觉也想干呕。日常与日常，隔着不过八十年，毫无交集，隔空相映。看完之后影院里无人起身，结尾的音乐终于替人尖叫出声，并把所有人按在座位上。

看片前觉得片名有意思，因为完全没看任何关于电影的介绍，奔着清醒的海报宣传去找文艺片的…看片完觉得片名好恐怖。德式恐怖片带你在人间地狱里走了一趟…感谢电影又让我练了德语听力又练了英语阅读…电影的成功在于它的声音和画面像来自两部电影，耳朵和眼睛的冲突张力是它的核心。

用一个德国人的新书名评价观影感受：《这世界为什么不存在》。这是一部光看静态图好似《小森林》，光看trailer像《革命之路》，观影后才知道是披着平静美好家庭生活文艺外壳的惊悚片。声音设计真的绝，是团队从真实历史资料中搜集制作的，车辆、枪支、集中营的机器、焚尸炉和人声，这种恐怖的嗡嗡嗡的鬼哭狼嚎一般声音渗透到电影每一帧。

披着文艺节奏和采用了韦斯安德森式“光鲜对称”却降格只剩诡异秩序的人间地狱。全片只有远远的旁观的镜头，像刀切过一样的整齐转场。

桑德拉饰演的女主真的太德国女人了（她就是好适合演这种沙砾般的女王形象）…女主妈妈夸她的园艺好似创造了天堂，里面花的种类、泳池位子的设计、夫妻卧室的布置无一不体现了这一家对生活品质的追求和对小孩的管理，连男主不得不按上级命令重做规划时，女主人都展现了极致的对家庭内秩序的维护，真就是你们就像裱了睡莲图的二元二次方程式。

全片没见一滴血，唯一出现的红色就是女主花园里开的极好的玫瑰，最大的尺度也就到了偶然的枪声、烟囱。但是就是你躺在手术台上在医生拿着冰冷锋利的刀子在划开你的皮肤，周围的护士们在喝着香槟开party的恐怖感。

前面节奏很慢我一直没懂要讲什么故事要这样展现一家子德国“有钱人”的闲适，直到开始出现一些工厂的设计图纸和对功能效率的有序解释，以及他们家花园后面出现的浓烟…大呼不妙，又撞上纳粹政府了，干！

#RFH #LFF #Specialpersentations 影片的风格和表达统一性很高，用极致冷漠的视角侧面讲述了那段悲惨的历史。 视觉上采用极简主义，只使用了固定镜头和侧跟推轨两种镜头，本以为这已经足够冷漠了，然而比这更夸张的是整部影片景别的选择…全片基本没有对人物的中近景镜头，更不用说什么特写镜头了，电影的正反打都是全景或者远景……只有一场贴近中景的镜头是女主母亲在屋内看到远方的大火与浓烟，第二天她就选择了离开（其实从母亲的离开可以看出的是环境对于人的影响），这可能也是全片中唯一突出角色情绪的表达，感觉导演就不想让我们把情感代入到这些纳粹身上，即使他们再幸福，家庭再和睦，我们就这么凝视着审判着。剩下的镜头也皆是极致批判，大远景基本是用来分割近景的别墅的花园和远景集中营的浓烟。大量的鱼眼镜头，畸变效果非常强，对准的是这个纳粹家庭的生活，俯拍带有黑圈的视角如同上帝审判般。（不知道为什么这固定镜头搭配的剪辑有种玩儿《生化危机》的感觉）。构图也是非常考究，大量利用门框和通道塑造的压抑感，那深邃的背后的无间地狱。

较深的两场特写镜头，1. 对准有生命力的植物一朵鲜花。2. 背犁的土地，如同电影表象表达般，纳粹为了财富的选择屠杀，据为己有后依然用着犹太人去维护犹太人的资产。片中几次出现负片镜头，用如此冰冷的效果拍摄的却是最有温度的情节。

色彩上则是低饱和度呈现这个家庭成员的冷漠。夜晚的红色预示着血与火。几处印象较深的情节转换，1. 通往地狱前审视自己的罪恶，男主下楼呕吐后那一撇直接穿越时间，看到了集中营纪念地的未来之景，随后就到现在走入地狱，穿越时那黑暗中唯一的光亮也是未来。特写鲜花最后化作全屏血红，似乎那满眼的罪恶。

听觉上，开场的片名停留良久，搭配的就是极强节奏的轰鸣声，这声音也在片中频繁出现，仿佛末日的倒计时。影片中的环境音也是重要一笔，鸟语花香+枪鸣哀嚎似乎就与大远景呈现出同样的效果。

有关犹太人苦难的政治正确是这部片子绕不开去的一个话题，似乎自己看到的很多观众的评论都来自于一种以既有的历史文本形成语境下的感想、或者政治立场上的批评。个人看来，这有可能稍有偏离影片的可能。

对于《利益区域》来说，个人认为最重要的还是电影本身美学风格的一种展现，是依托于这种强烈的、严肃的、建制化的美学所形成的一种人类学观察、或人类学复原来实现对于纳粹罪恶的一种控诉和颠覆。

最独特的两种镜头：45°的广角镜头，平视的固定镜头。对于家庭生活的表达，几乎全片都依赖于这两种镜头。以至于有评论说：“感觉在看家庭监视”。确实如此，但是如果仅仅用“家庭监视”来概括就完全忽略了这些镜头的用途。

首先，相比于所谓的“家庭影像”，平视的固定镜头、广角镜头首先呈现出来的是极为纯净的画面，它绝对不同于一般意义上的中立、客观影像。

温馨的家庭全景

《利益区域》中呈现纳粹军官家庭生活的场景极为纯净、温馨、和谐，纵有矛盾与冲突，也不过看上去仅仅是生活中微不足道的插曲：鲁道夫发现水里有骸骨、女儿夜里无法入眠、鲁道夫需要调职，与妻子和家人有所冲突、最后鲁道夫感到胃部似乎不舒服，在楼梯上呕吐。相比于这些插曲，固定镜头、45°广角镜头展现在奥斯维辛旁的豪宅几乎达至一种“VR式”的体验，这种沉浸式的体验不仅仅在于画面所带来的规整、和谐、温暖，同时也来自于纳粹军官鲁道夫家庭生活中呈现出来的血缘情愫，这种情感在强烈地感染着我们。同时，借助滑轨呈现出的水平调度，以及多机位的越轴剪辑，我们似乎看到了鲁道夫家庭里的每时每刻，时时刻刻人物与环境都在暴露给我们。与其说我们有一种“侵略性”的窥视观察这个家庭，不如说导演本身就是将这一切展现给我们看，你们观众想看的未必能穷尽，这种机位和调度反而将鲁道夫家庭中的点点滴滴全部展现暴露，以至于我们几乎忘记了，这其实原本是一种人类学还原、一种人类学观察，而并非真实历史。

水平、垂直的人物调度（母亲从后景向前景移动）

但是关于影片是否为历史，这并不重要，因为即便是仅凭影像材料，也同样可以达至人类学观察。问题实际上在于，为什么导演要展现这些？导演几乎以一种接近人文主义的方式、表现了鲁道夫与家人们深切的情感、表达了纳粹军队上下齐心协力、官兵和谐的一派景象，大家都在忠实地为一片“利益区域”而努力。“利益区域”所代表的当然就是这一片“净土”，雅利安家庭和谐团结的家庭净土。而实际上、在影片中出现的部分关于女孩的梦境、来自火葬场的火光、水中的骸骨，并不能与这一“利益区域”分庭抗礼，它们拥有太少的空间和太少的话语。同样、集中营上空的天空占据画面呈现纯白色、花朵占据屏幕呈现纯红色，这种突如其来的插入虽然重要，但是同样无法与精心设计的外部家庭角力。至此，很可能会有人在质疑导演的政治立场：难道这是要歌颂这一纳粹家庭吗？难道你试图为纳粹军队招魂吗？以至于认为，那这部电影就是在借助“奥斯维辛集中营”的政治正确的现实上下文，实现一种极致的反讽。如果这样的话，这部电影不过就是一种取巧、偷懒的方式，来营造一种政治正确的话题。同时也证明，影片本身并不是自足的。影片所呈现的纳粹家庭这当然是一种反讽，但是如果仅仅认为这部影片需要依赖外部的环境是不够严谨的。同时，退一万步讲，即便是依凭一种取巧的互文性，这部电影同样也有独到的创新。但是此处的辩护仍旧集中在电影本身的自主性。

是这些细节在搅扰着我们吗？奥斯维辛上空的烟雾、小孩玩着犹太人的牙齿、火葬场的红光、火车的笛声、以及不断出现的幽灵般的低沉的背景音乐。作为已然持有一种同情犹太人、控诉纳粹的知识立场的观众，那么我们所做的工作，第一反应当然是想借助这些来指控纳粹的罪行。但是因为我们无所见那些直接的罪行，所以历史的遗迹实际上是微不足道的。因为我们根本没看见火葬场、成堆的尸骸和衣帽鞋子、那么实际上这些在影像上本身就是没有力量、没有话语的，这是一种深刻的反其道而行之。我们愈想为犹太人发声、为正义发声、我们愈发现这一种辩护根本不可能。取而代之的是，温馨的雅利安核心家庭，恩爱的父母、在一起打闹的孩子、金发碧眼的少男少女在享受恋爱。时不时的，家庭外出野餐、直至夕阳余晖、天空染紫……这些高度美化的场景正在占据我们的眼睛。

这种美学化的尝试，或许正是本雅明所提及的“政治美学化”的一种尝试。本雅明在《机械复制时代的艺术作品》中举出纳粹借用电影实现的“政治美学化”，是指通过电影，个体能够享受那种在战争中民族实现的共同体价值、高度机械化的部队和精良飒爽的军服吸引着群众选择了“美学价值”更高的路径——战争。不过《利益区域》中展现的不仅仅是理性、高效的杀人机器奥斯维辛集中营，甚至集中营也仅仅是一笔带过。与本雅明的例子直接相符的当然是影片后半段鲁道夫来到奥拉宁堡的会议与之后的晚宴。会议同样展现着严明的纪律、高效的工作；晚宴中最迷人的当然是冰雕雕刻的卐字旗形状，晶莹剔透、光彩照人。这些都是极美的场景，镜头的设计同样不断在将我们拉入场景之中，因为根本上，这些本身就是经由美学设计过的场景。这是政治的美学化，一种将原本目的隐去，而实现完全的美学化生态电影。

同样的，温馨的雅利安家庭一同泛舟、打理花园、养育儿女也是一种美学化。导演试图重现一种纳粹式价值观的审美体验，以重证其审美价值。也就是说，比起军事化的宏大体制、或许核心家庭的价值观更能吸引人、更能在美学上俘获人，而且它几乎完全实现了这一点：在火光照亮母亲的脸时，我们担心的不是犹太人，而是被这一景象美感所俘获，我们担心母亲是不是仍旧在为家庭着想。这种审美意义也几乎完全臻于至善了。这是一种和平年代潜藏的纳粹主义、是同属于一种头脑内部的纳粹主义，它所代表的不仅仅是一种对于美学的单纯追求，还是一种属于宰制和剥削我们的关于审美的权力。所以对于纳粹的美学呈现，一反传统意义上直接性的的丑化/恶化纳粹，这是一种颠覆性的大胆尝试。以美学的意义来占据所有可能的影像，以实现对于纳粹的“合理化”。

而对于这一表达，反讽的地方不在于利用犹太人的苦痛来引起我们的同情与思考。以不可见的声音、反转的颜色、空镜、纯色，以及在电影末尾时空倒错，回到奥斯维辛的展览时，我们的思考被放置在一种艰难的选择之中。声音、低沉的、苦痛的、作为背景的、毫无美感的声音、毫无节律的声音正在传达一种没有被表达的话语。未被表达的自由刺穿了在纳粹家庭中精心组建构成的有机整体。即便也仅仅是那么几个洞口，已然足够引起我们对于美化纳粹的警惕。关键是在“警惕”，而非有力的反对。因为在奥斯维辛中的犹太人群体本身就是无力的。因为在未知的高墙之外，我们不知道历史、当下、或者未来将会有多少同样的群体，在日常生活中的纳粹主义中被宰制和剥削、被压迫以及碾碎。这对于极度美学化的当下尤为意义重大。

此外，我们也试图重回影像本身。这些刺穿现实的影像，可以被归为“冲动-影像”（impulsion-image）。根据德勒兹的说法，“冲动-影像”暗示着一种自然主义，一种原始力量的自然堕落、自然冲动。在电影里，它常指对于原有环境一种破坏性的力量，因为这是从情感-影像到运动-影像的一项过渡，指的是动作在始发未发之时的一种强烈冲动。这一点同样可以用以考量影片中那些“出格”之处。原先美丽的花朵、代表着核心家庭美感与和谐的花朵完全占据了屏幕，似乎下一秒就有什么反转、似乎下一秒我们渴望的控诉纳粹的力量就会到来。但是并没有。影片开头，长长的黑屏，在其中我们听见悲怆的低吟，但是同样它又被鸟语花香取代，一种始发未发之物作为幽灵游荡在低沉而不规律出现的背景音之中。对于时不时的枪响、尖叫声同样也适用。

这种自然力量或许可以被具象化为一种反抗纳粹的力量，例如斯皮尔伯格《辛德勒的名单》。但是既然已经具象化，那么冲动-影像在其过程之中的意义就被消解了，《辛德勒的名单》同样是一种已经形成的有机整体，它依赖于直接给予的运动-影像来讲述一个直接的道理，借此来实现一种对于犹太人，或者说被迫害的弱势群体似乎完成的救赎和对纳粹似乎完成的指控。实际上，当奥斯维辛重新成为一种博物馆时，工作人员仔细地擦拭之、清扫之，对于它的清洁和展示并不是一种反讽，而是延续了和平年代对于纳粹主义的追求。因为似乎这一切应该被展览出来，原来奥斯维辛集中营里面一切都是那么美丽、干净、整洁、使我们陶醉于其中。只不过，永远有一种不可看清的影像，它作为幽灵在暗示着一种极端的冲动。这一警醒才是导演试图不断锐化和强调之处。